MANIAC - Pez y Mar

Estudio MANIAC re-diseña la identidad de Pez y Mar

Maniac Studio recientemente cambió el nombre del restaurante Pez Y Mar para reflejar el alma del restaurante. El nuevo logotipo, las ilustraciones y la paleta de colores reflejan la mezcla de vibraciones retro y clásicas por las que el restaurante es amado. Aún así, la ilustración del pez se convirtió recientemente en una hermosa defensora de la marca. Todo sobre la nueva marca grita fresco, local y divertido, todo lo que podrías pedir de tu restaurante favorito.

Pez y Mar nos encargó el rediseño de su Identidad de Marca. Pez y Mar es una empresa especializada en pescados y mariscos, con diferentes restaurantes y cocinas express ubicados en Mérida, México.

Para este proyecto, nuestro objetivo fue crear una identidad que se perciba como la evolución de una marca consolidada, capaz de mantenerse actualizada y adaptable.

Antes y después

Para la marca, tomamos el elemento visual reconocible de Pez y Mar y lo rediseñamos para convertirlo en icónico y protagonista de la marca. La identidad visual es fresca y amigable, se armoniza con una paleta de colores reducida pero versátil que junto con la tipografía transmite un ligero sentimiento retro y clásico.

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2022

Entrevista: Amaya Segura

Entrevista a la visionaria diseñadora de tapas de albums, Amaya Segura

Cuando sale un nuevo álbum, la mayoría de nosotros nos enfocamos en la música en sí y en el artista detrás de las pistas. Pero un álbum es más que solo su sonido; representa una colaboración de muchos artistas que trabajan en muchos medios que se han unido para crear una pieza colectiva.

Amaya Segura es una de esas artistas, y trabaja como directora de arte sénior en Sony, ayudando a crear algunas de las carátulas de álbumes más emocionantes en los estantes de las tiendas de discos (y, sí, serpentinas).

La diseñadora nacida en el Bronx es dominicana, cursó el octavo grado en la República Dominicana y sus primeros dos años de universidad en la filial de Parsons allí, Altos De Chavon, antes de terminar su carrera en Parsons en Nueva York. Ahora vive en la costa, vive en East Harlem y viaja a Los Ángeles al menos una vez al mes.

Después de presentar el trabajo de dirección de arte de Segura para la portada Homegrown de VanJess en nuestro resumen de las mejores portadas de álbumes de 2021, sabíamos que teníamos que hablar con ella directamente sobre su práctica. Por suerte para nosotros, estaba dispuesta a conversar, compartir sus experiencias en la industria de la música, aprender a diseñar en la era de Myspace y la importancia de defender su cultura como mujer negra en el diseño.

Diseño y caligrafía para Amala por Amaya Segura, dirección de arte foto, Connie Jun

¿Cómo es colaborar con algunos de los nombres más importantes de la música que trabajan hoy en día?

La clave es colaborar con otro artista. Para mí, esa es la parte más gratificante. Al fin y al cabo, los directores creativos y los diseñadores son artistas, y los músicos también lo son.

En última instancia, le estamos dando a estos sonidos una imagen. Que es una existencia tan poética. Realmente vibro con eso y lo amo en un nivel fundamental. Tener esa experiencia de hablar con alguien sobre lo que quiere que signifique un sonido me ha permitido crecer con ellos. Para Doja Cat, por ejemplo, trabajé en Amala, salté e hice el tipo y algunas de las cosas del diseño, y ver cómo creció desde ese álbum hasta lo que la gente está mirando ahora para Planet Her es una locura.

Asimismo, con Giveon. Estábamos filmando en un almacén al azar en Los Ángeles al comienzo de la pandemia. Ahora, puedes ver mucho crecimiento en él como artista. Siento que también he podido crecer junto con ellos y esos viajes. Cada vez que se enfrentan a un nuevo desafío, también es un nuevo desafío de diseño para mí. Es el desafío de un proyecto de seguimiento.

Diseño y Lettering para Streets por: Amaya Segura

¿Cómo seguimos construyendo sobre la historia que estamos creando?

Hace que sea mucho más un proceso entrañable para mí. Estoy seguro de que todos sienten que sus álbumes son sus bebés; en cierto modo, siento que ellos también son mis bebés. Como artista, no hay nada más placentero que crear arte para artistas. Tampoco hay nada más difícil. Va en ambos sentidos.

Creative y Diseño por: Amaya Segura para “For Tonight” single

¿Eres tú misma una músico de alguna manera?

No pretendo ser músico. Pero la razón por la que comencé en el diseño fue que estaba activo en los primeros días del reggaeton cuando nadie sabía sobre Daddy Yankee. Encontrar esa música en los EE. UU. fue muy difícil, así que tuve que recorrer todos los foros tratando de obtener los nuevos enlaces de transmisión para la música. En ese proceso, terminé haciendo muchas batallas de palabras habladas (no lo llamaré rapear). Tenían un área en el foro que decía: "Battle rap: ¡tienes 24 horas para responder!" Así que terminé haciendo eso y conseguí un equipo, y terminamos rodando juntos y luchando juntos. Todo esto suena muy loco para mí en retrospectiva.

Diseño creativo, Lettering, Retoque y Dirección creativa para Take Time por: Amaya Segura, foto por Breyona Holt

Empezamos a crear banners. Esa era la era de Myspace, por lo que alguien necesitaba aprender Photoshop para hacer todo eso. Esa es una de las principales formas en que comencé a diseñar; fue a través de comenzar a escribir música.

También toqué el violín y el piano. Nada realmente se quedó, pero siempre he estado muy alineado musicalmente. Probablemente volveré a hacerlo eventualmente. He estado buscando aprender a hacer ritmos porque creo que es similar a cómo piensas cuando estás diseñando. Piensas en capas y significado, y es similar a cómo los músicos hacen música. Por eso hay tantos diseñadores gráficos que también son DJ.

Cortesía: Amaya Segura

Supongo que, como director creativo, debes abordar un proyecto de manera integral desde todos los ángulos, por lo que esta base en la música y poder hablar ese idioma debe ser fundamental.

Sí, me gustaría pensar que ser un apasionado de la música te ayuda a recordar cómo es ser fanático. Todavía tengo un recuerdo muy claro sobre la sensación de abrir el CD TLC FanMail. Recuerdo que lo recogí en la tienda y había un póster desplegable adentro. Debido a que esos momentos fueron tan especiales para mí, definitivamente quiero asegurarme de dejar eso para los oyentes de hoy. Y ha sido maravilloso ver que las ventas físicas han aumentado, aunque creo que también hay mucho potencial en lo que podemos hacer digitalmente.

Cortesía: Amaya Segura

¿Escucharte hablar sobre la relación nostálgica que tenemos con la música y cómo se originaron tus habilidades de diseño cuando necesitabas crear pancartas y diseños para plataformas como Myspace tiene sentido para mí, dada la estética de gran parte de tu trabajo. Existe esta sensación retrowave, 90, Y2K que está teniendo un resurgimiento más amplio en este momento también. ¿Describirías tu estilo como perteneciente a esa categoría?

Siempre me ha costado mucho describir mi estética a la gente. Creo en el diseño como una solución, no como un estilo. Lo que quiero decir con eso es que creo que muchas veces los diseñadores pueden entrar en un estilo que la gente ama mucho, y luego te contratan por esa apariencia o sensación específica. Creo que es genial, pero para mí, eso ya empieza a rayar en ser un buen artista. Estás haciendo ese estilo porque eres tú, porque estás inspirado para traer eso, y la gente viene a ti porque aman lo que estás creando. Se trata más de ti.

Desde mi punto de vista, cuando eres director creativo o diseñador, gran parte de eso es el núcleo del diseño, que es crear una solución para un problema. Tiene que haber alguien que te dé un mensaje, una inspiración o una pregunta, y deberías llegar a eso y traer las mejores cosas que sabes que tienen sentido con eso, en lugar de un estilo predeterminado. Siempre trato de abordar los proyectos sin aportar nada demasiado personal en cuanto a mis preferencias y escuchando lo que la persona o el proyecto necesita y quiere.

Dicho esto, crecí idolatrando e incursionando en el graffiti. Myspace fue una gran influencia para mí. TLC y la era de la música de los 90. Crecí con padres latinoamericanos que me expusieron a la vieja estética del cartel de salsa. Así que estoy seguro de que mucho de eso se ha colado en mi trabajo y en mi subconsciente. Pero trato de estar abierto a ver la belleza desde la perspectiva de otras personas. Es importante estar abierto a la definición de cambio de belleza para ti.

Cortesía: Amaya Segura

¿Cuáles son algunas de tus portadas de álbumes favoritas?

Es difícil para mí decirlo porque gran parte de las portadas de los álbumes para mí son parte de la música. Tengo el recuerdo de escucharlo adjunto, entonces, ¿es la mejor portada del álbum? ¿O fue el mejor álbum de paquete completo? Siento que siempre vuelvo a Missy Elliott y parte de su trabajo solo porque fue muy formativo para mí, pero realmente no puedo decir que sea porque el diseño fue lo mejor que he visto en mi vida, o si solo colectivamente, en conjunto, estaba muy emocionada de disfrutar la experiencia de Missy Elliot como un todo.

Muchas portadas me vienen a la mente cuando pienso en cosas que fueron impactantes. Dookie de Green Day fue una gran tapadera para mí. Creo que las portadas ilustradas no reciben suficiente crédito. También Aquemini de OutKast. Esas son portadas realmente sólidas a las que todavía hago referencia visual en mi mente a veces.

Cortesía: Amaya Segura

De todos modos, no estamos destinados a divorciar el diseño de la portada del álbum de la música en sí, ¿verdad? No debemos juzgar la portada de un álbum únicamente por sus méritos de diseño. Está intrínsecamente informado por la música; es un paquete de oferta.

Exactamente. Si funciona correctamente, debería parecer que la música y la portada son una.

Cortesía: Amaya Segura

De tus proyectos recientes, ¿hay alguno del que te sientas particularmente orgulloso?

En este momento, estamos esperando la versión de lujo de Heaux Tales, y ese es un proyecto especial para mí porque las conversaciones sobre el amor y la mujer negra son algo en lo que estoy muy involucrada como mujer negra. Es algo que es muy querido para mí como alguien que ha crecido en ese mundo.

De hecho, acabo de publicar sobre la elección del tipo de letra para toda la marca. Fue un largo comentario sobre por qué elegí Helvetica para este proyecto. Nadie en mi Instagram me pregunta sobre eso, pero creo que es importante compartir esos detalles para este tipo de proyectos.

Muchas fuentes provienen de países europeos o de América, y no hay muchas fuentes que provengan de África. Entonces, incluso aportar pequeños matices como ese y el entendimiento de que la autoridad que tiene Helvetica dentro de la sociedad se debe a que proviene del diseño suizo, que se les preste a las mujeres negras para que traigan sus historias y sus voces tiene un significado para mí.

Sentí que todas esas pequeñas elecciones que podía hacer hablaban de este problema a mi manera; de la misma manera que Jazmine le está hablando a través de la música.

Cortesía: Amaya Segura

En general, siento que ha sido increíble en muchos frentes poder trabajar cada vez más dentro de las áreas de música para y por latinos y negros.

Uno de los primeros proyectos que hice en Sony fue una reedición de un álbum de Thelonious Monk. Era un empaque increíble, pero no pude encontrar quién lo diseñó. El fotógrafo blanco fue etiquetado, pero quien diseñó el paquete no fue acreditado en ninguna parte. Y considerando la época de Thelonious Monk, existe la posibilidad de que quienquiera que haya trabajado en eso haya sido una persona negra que pudo contribuir a la música, pero esa contribución no se registró de la misma manera.

Eso es lo que es importante para mí: estar presente y ser testigo, pero también estar de guardia en la cultura y poder ser parte de ella para todos estos artistas.

Cortesía: Amaya Segura

Para el arte sencillo más reciente de Aretha Franklin que hicimos para "Never Gonna Break My Faith", por ejemplo, pensé en cómo algunos diseñadores de fuentes solían ser dueños de esclavos, por lo que poner esa fuente en una canción que trata literalmente sobre la opresión sería una locura. . Así que busqué fotos de la Marcha en Washington y las construí a partir de letras que vi en la señalización. Estoy seguro de que mucha gente no lo notaría, pero eso es lo que quiero decir cuando digo "montar guardia por la cultura". Es asegurarse de que esos pequeños matices estén ahí.

¿Cómo ha sido esa experiencia de ser una mujer de color en una industria tan blanca y dominada por hombres?

Siempre hay ese momento en el diseño cuando te das cuenta de que eres negro. Pasarás por la experiencia de ser diferente de muchas personas en tus clases, pero nunca se marca hasta que comienzas a ascender más y más a través de los niveles de diseño. Ahí es cuando comienzas a sentir que eres la única chica negra en la habitación. Siempre les digo a mis amigos que padezco el síndrome de “la única chica negra”, y siento que hay un punto cultural que quiero transmitir, pero me doy cuenta de que nadie en la sala entenderá lo que estoy diciendo.

Cortesía: Amaya Segura

El año que hice el tipo bling para Con Altura de Rosalía, ese tipo estaba en todas partes. Se fue de gira con él, y estaba por todas partes. Así que lo envié a una competencia y ni siquiera llegó a la primera ronda. Me di cuenta de que no había nadie para documentar la historia de lo que bling type ha hecho por tantas industrias diferentes. Ese tipo cromado que vino de los mixtapes que tantos artistas todavía usan hasta el día de hoy es una estética que mucha gente ve y es cursi, cursi o barata. Pero ese estilo tiene tanta referencia histórica a estas alturas y tanto impacto. Se ha convertido en una estética que la gente usa sin ironía.

Esos son los momentos en los que empiezas a sentir que vienes de un lugar culturalmente diferente. Cuando eres el único en la sala que sabe cómo hacer bling y al mismo tiempo eres el único en la sala que conoce el valor de ello.

Me encantaría eventualmente crear una forma de documentar los elementos de diseño pasados ​​por alto, como el tipo de bling. Incluso pequeñas cosas, como cómo se pintan a mano las puertas de las barberías y los menús de las barberías, que es algo único en la cultura caribeña y negra.

Todos esos pequeños fragmentos de lenguaje están diseñados, pero no se documentan en ninguna parte, no se ven como parte del diseño. Hay mucho diseño negro importante que ha influido en muchas cosas, pero simplemente no está incluido en los libros de diseño.

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2022

Ganadores BiCeBe 2021

Conoce a los ganadores de la Bienal del Cartel de Bolivia 2021

La Bienal del Cartel Bolivia BICeBé® es el referente de la industria creativa y de diseño gráfico en Bolivia. Considerada la principal vitrina del talento nacional y latinoamericano para el mundo. Plataforma de reflexión y patrimonio de diseño gráfico.

CATEGORÍA A
PRIMER LUGAR. FIRST PLACE
Cartel Cultural | Cultural Poster
Christoph Reinicke
Alemania

CATEGORÍA A
SEGUNDO LUGAR. SECOND PLACE
Cartel Cultural | Cultural Poster
Alejandro Magallanes & Maj Lindstom | México

CATEGORÍA A
TERCER LUGAR. TERCER PLACE
Cartel Cultural | Cultural Poster
Weichen Wu
China

CATEGORÍA B
PRIMER LUGAR. FIRST PLACE
Cartel Social | Social Poster
Kari Piipo
Finlandia

CATEGORÍA B
SEGUNDO LUGAR. SECOND PLACE
Cartel Social | Social Poster
Małgorzata Będowska
Polonia

CATEGORÍA B
TERCER LUGAR. THIRD PLACE
Cartel Social | Social Poster
Alicja Kultys
Polonia

CATEGORÍA C
PRIMER LUGAR. FIRST PLACE
Cartel Publicitario | Advertising Poster
Götz Gramlich
Alemania

CATEGORÍA C
SEGUNDO LUGAR | SECOND PLACE
Cartel Publicitario | Advertising Poster
Justyna Czerniakowska
Polonia

CATEGORÍA C
TERCER LUGAR | THIRD PLACE
Cartel Publicitario | Advertising Poster
Miroslaw Adamczyk
Polonia

CATEGORÍA D
PRIMER LUGAR. FIRST PLACE
Cartel inédito: Sin rumbo al espacio interior // Unpublished poster: No course to the interior space
Katherine R. Paz / Erick Ginard
Cuba

CATEGORÍA D
SEGUNDO LUGAR. SECOND PLACE
Cartel inédito: Sin rumbo al espacio interior // Unpublished poster: No course to the interior space
Hugo Pazos
España

CATEGORÍA D
TERCER LUGAR | THIRD PLACE
Cartel inédito: Sin rumbo al espacio interior // Unpublished poster: No course to the interior space
Yanaisy Puentes
Cuba

CATEGORÍA E
PRIMER LUGAR | FIRST PLACE
Cartel Imagen en movimiento | Motion Design Poster
Michal Tadeusz Golanski
Italia

CATEGORÍA E
SEGUNDO LUGAR | SECOND PLACE
Cartel Imagen en movimiento | Motion Design Poster
Falko Walter HawaiiF3
Alemania

CATEGORÍA E
TERCER LUGAR | THIRD PLACE
Cartel Imagen en movimiento | Motion Design Poster
Tiantian Yang/ / Zhang Limian / Dong Zhaokun
China

MEJOR CARTEL BOLIVIANO
BEST BOLIVIAN POSTER
Bruno Rivera Catacora
La Paz

MEJOR CARTEL BOLIVIANO EN LA CATEGORIA D
BEST BOLIVIAN POSTER ON CATEGORY D
Josue Calle Mamani
Cochabamba

McDonalds presenta rediseño global

McDonald's presenta el rediseño global de empaque con un enfoque en gráficos

La agencia creativa pearlfisher se ha asociado con mcdonalds para rediseñar el sistema de envasado global del gigante de la comida rápida. el diseño renovado aporta una sensación de alegría y tranquilidad a la marca a través de sus gráficos llamativos. Al pasar de un sistema de diseño con mensajes prominentes en el paquete, las representaciones gráficas de los elementos del menú ayudan a que cada una de las estructuras estén más conectadas y evoquen el punto de vista lúdico de McDonald's.

"Nuestra tarea consistía en descubrir qué era realmente especial en cada elemento del menú para diseñar un sistema que facilitara que otros hicieran lo mismo", dijo Matt Sia, director creativo de pearlfisher. "Hay belleza en la simplicidad de los elementos icónicos del menú de mcdonald's". Nuestro objetivo era encontrar la expresión más especial, reconocible e icónica de cada uno: celebrarlos de una manera que haga sonreír a la gente.

Dar vida a la personalidad a través de una simple ilustración permite que el empaque sea funcionalmente único, fácil de identificar, estéticamente mínimo y, lo más importante, emocionalmente alegre. todo en este sistema tiene un propósito y ayuda a activar el posicionamiento de la marca mcdonald's para hacer que los momentos deliciosos y agradables sean fáciles para todos ".

el diseño tomó en consideración los procesos operativos que se llevan a cabo dentro de los restaurantes, permitiendo que los miembros de la tripulación sean súper eficientes. cada envoltorio, cubierta y paquete ha sido diseñado para ser identificable donde ocurre el ensamblaje del pedido. los gráficos fáciles de entender son fáciles de reconocer, sin importar en qué parte del mundo se encuentren.

"Estamos orgullosos de presentar este sistema rediseñado", dijo barbara yehling, directora senior de estrategia de menú global en mcdonald's corporation. "Pearlfisher ayudó a garantizar que este rediseño modernice nuestra marca, resalte la especialidad de nuestro menú y cumpla con nuestro compromiso con la calidad".

información del proyecto:

Agencia: pearlfisher

Vicepresidente ejecutivo: hamish campbell

Director creativo: matt sia

Directora de diseño: tiffany bacani

Diseñador senior: alex wagner

Diseñador: shruti shyam

Jefe de realización: brandi parker

Jefa de gestión de clientes: justine allan

Director del cliente: courtney tight

Gerente de cliente: teri neis

agencias asociadas:

HAVI

diseño de marca boxer

Turner Duckworth

Burger King revela nueva marca

La empresa Burger King revela nueva marca simplificada

El restaurante estadounidense de comida rápida Burger King ha actualizado su marca por primera vez en 20 años con un logotipo, empaques y uniformes renovados diseñados por la agencia creativa Jones Knowles Ritchie.

Burger King ha llevado a cabo un cambio de marca integral para actualizar todos los elementos de su identidad visual con un diseño que describe como "delicioso, grande y audaz, juguetonamente irreverente y orgullosamente verdadero".

Como parte de esta renovación, la cadena de comida rápida ha abandonado su logotipo anterior, introducido en 1999, a favor de un diseño plano que está más alineado con el logotipo utilizado por la marca a lo largo de los años setenta, ochenta y noventa.

Al igual que con los diseños anteriores a 1999, el logotipo simplificado es más claramente dos mitades de bollo intercaladas con las palabras Burger King.

"Nos inspiramos en el logotipo original de la marca y en cómo ha crecido hasta tener un lugar icónico en la cultura", explicó Jones Knowles Ritchie. "El nuevo logo rinde homenaje a la herencia de la marca con un diseño refinado que es seguro, simple y divertido".

Junto con el nuevo logotipo, Jones Knowles Ritchie ha rediseñado el empaque de alimentos de la marca, que incluirá los nombres de los artículos escritos en un nuevo tipo de letra personalizado llamado Flame Sans.

"Un tipo de letra irreverentemente audaz, Flame Sans evoca las formas naturales y orgánicas de los alimentos", dijo Jones Knowles Ritchie.

"Los colores más cálidos dan vida a los ingredientes frescos y vibrantes, y al método de asado a la llama, que es la marca registrada de la marca, en envases, uniformes de la tripulación y experiencias digitales".

La revisión incluye uniformes rediseñados para el personal que usarán un marrón oscuro como color base. Esto se combinará con el nuevo logotipo y adornos en rojo, naranja y blanco.

Merchandising, tableros de menús, señalización de restaurantes y activos de marketing también incluirán la fuente y la paleta de colores revisada.

Burger King comenzará a implementar su cambio de marca de inmediato y tiene como objetivo reformar todos sus restaurantes en los próximos años. La marca espera que el rediseño ayude a atraer clientes a su comida.

"El diseño es una de las herramientas más esenciales que tenemos para comunicar quiénes somos y lo que valoramos, y juega un papel vital en crear el deseo por nuestra comida y maximizar la experiencia de los huéspedes", dijo Raphael Abreu, jefe de diseño de Restaurant Brands. International, propietaria de la marca Burger King.

"Queríamos utilizar el diseño para que la gente ansiara nuestra comida; su perfección asada a la parrilla y, sobre todo, su sabor".

Durante los últimos años, la cadena rival de comida rápida de Burger King, McDonald's, ha introducido una serie de restaurantes y diseños de empaque simplificados.

El año pasado, la agencia de publicidad Leo Burnett creó carteles minimalistas para la marca con solo listas de ingredientes, mientras que su sencillo restaurante en Chicago diseñado por Ross Barney Architects hizo comparaciones con una tienda de Apple.

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2021

Hector Laura - Tramas Urbanas

Hector Miguel Laura Mamani , La Paz, Bolivia - TRAMAS URBANAS

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Del autor:

El trabajo inicia a través de la siguiente pregunta:

¿Cómo se verían algunas tramas urbanas de otras ciudades de los departamentos de Bolivia desde otra perspectiva?

Podemos conocer una ciudad paseando, pero así solo la conocemos parcialmente para poder conocerla completa hemos de recurrir a un plano urbano y mostrarnos que ciudades son amplias y rectas donde son las calles estrechas e irregulares. “Aunque los edificios pueden derribarse y construirse de forma diferente el trazado de las calles de una ciudad es más difícil de modificar por lo que su análisis nos permite conocer las huellas de la historia de la ciudad”

El tejido urbano va configurando la estructura, forma e imagen de una ciudad, algunos tejidos permanecen inalterables a través del tiempo, otros son sometidos a cambios y transformaciones adecuadas del bien común y la calidad de vida urbana, reflejando los cambios socio-económicos y políticos.

Hector Miguel Laura - Bolivia

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Hector Miguel Laura - Bolivia.

Diseño gráfico - Hector Miguel Laura trabaja las tramas urbanas de Bolivia de manera no convencional con resultados más que interesantes

Hector Miguel Laura Mamani

Estudiante Universitario de la Facultad de Arquitectura de la UMSA . Actualmente me encuentro cursando el VI semestre de la carrera.Yo no cuento con un titulo en Diseno Grafico pero realizo varias ilustraciones que publico en mi perfil de facebook creo yo que estas son las cosas que avalan a un disenador.

Fecha de nacimiento: 8 de diciembre de 1995 Lugar de Nacimiento: El Alto - La Paz

Contacto:

Cel.: +591 68033315

FB - Hector Miguel

Correo: Hector Miguel Laura Mamani

Milton Glaser 1929-2020

Milton Glaser, cofundador de la revista New York Magazine y famoso diseñador gráfico detrás del logotipo "I ♥ NY", murió, según la revista. Glaser murió el viernes en su cumpleaños número 91, dice el obituario de la revista. Su esposa, Shirley Glaser, le dijo al New York Times que la causa de la muerte fue un derrame cerebral y que también sufría de insuficiencia renal. "En nombre de la familia de Nueva York, mis pensamientos están con los seres queridos de Milton hoy, especialmente con su esposa Shirley. Perdimos a un brillante diseñador y gran neoyorquino", dijo el gobernador de Nueva York Andrew Cuomo en un comunicado a CNN.

Nacido en 1929, Glaser comenzó su carrera en diseño en la Cooper Union de Nueva York. Luego lanzó Push Pin Studios en 1954 con varios ex compañeros de clase, que "ejercieron una poderosa influencia en la dirección del diseño gráfico mundial", según el sitio web de Glaser. En 1968, Glaser fundó la revista New York Magazine con Clay Felker, y se desempeñó como presidente y director de diseño hasta 1977.

Glaser es quizás mejor conocido por diseñar el icónico y ubicuo logo "I ♥ NY". Fue creado en 1977 para promover el turismo en el estado de Nueva York en medio de la ola de crímenes de la ciudad, el infame apagón y las dificultades económicas generalizadas. Su boceto conceptual, garabateado apresuradamente en rojo en un sobre de papel, forma parte de la colección permanente del Museo Metropolitano de Arte. Antes de eso, Glaser ganó la aclamación generalizada por un póster psicodélico de la década de 1960 para el álbum "Greatest Hits" de Bob Dylan.

Más allá de sus diseños más conocidos, el trabajo de Glaser se presenta en colecciones permanentes en el MoMA, el Museo de Israel en Jerusalén, y el Archivo Nacional y el Instituto Smithsonian en Washington DC, entre otros. Glaser fue el único artista gráfico que tuvo exposiciones individuales tanto en el Centro Georges Pompidou en París como en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, según el National Endowment of the Arts. Recibió la Medalla Nacional de las Artes en 2009.

Los emojis de Shigetaka Kurita

La primera colección de emojis de la historia, diseñados por Shigetaka Kurita, en 1999. #WorldEmojiDay #DíaMundialDelEmoji

Mientras trabajaba para la agencia de comunicaciones japonesa NTT DoCoMo y el inmente lanzamiento de su plataforma para internet móvil i-mode, Kurita diseñó los primeros 176 emojis de 12x12 pixeles que iniciarían con la tendencia mundial del uso de pictogramas para comunicar ideas mediante mensajes de texto.2

Para el diseño de los emoji, Kurita se inspiró en el trabajo visual realizado en el manga y también en caracteres y señales de tránsito

Una comparación de los 20 emojis originales vs. los contemporáneos: LINK

Susan Kare, los íconos de la MAC

Cada tanto que una persona quiere sentirse segura de no perder su valioso trabajo mueve su cursor hacia arriba para hacer clic en el icono del diskette. Este icono quiere decir “guardar” y Susan Kare diseñó una versión del ése disco como parte de una suite de iconos que hicieron a Mackintosh revolucionaria – una computadora con la que podías comunicarte mediante imágenes.

La diseñadora gráfica Susan Kare

Paola Antonelli, la curadora senior de Arquitectura y Diseño en el MOMA fue la primera en mostrar físicamente los bocetos de los iconos de Kare en la exhibición “This is for everyone” (esto es para todos). "Si la Mac resultó ser un objeto revolucionario -una mascota en lugar de un electrodoméstico, una chispa para la imaginación en vez de una mera herramienta de trabajo- es gracias a las fuentes y los iconos de Susan, que le dieron voz, personalidad , estilo e incluso sentido del humor. ¿Bomba de cereza, alguien? ", Bromeó, refiriéndose al ícono que saludó los fallos en el sistema operativo original. Después de trabajar para Apple, Kare diseñó iconos para Microsoft, Facebook y, ahora, Pinterest, donde es directora creativa. La presencia principal de Pinterest, Instagram, Snapchat, emoji y GIFS es una señal de que los revolucionarios visuales han ganado: en línea, todos nos comunicamos visualmente, juntando oraciones de idiomas de iconos diminutos.

Íconos originales de MAC

Kare, quien tiene sesenta y cuatro años, ha sido honrada por su trabajo el 20 de abril de 2018, por sus colegas diseñadores, con la prestigiosa medalla de AIGA.

En 1982, ella era una escultora y alguna vez curadora cuando su amigo de la escuela secundaria Andy Hertzfeld le pidió que creara gráficos para una nueva computadora en la que estaba trabajando en California. Kare trajo un cuaderno de Grid a su entrevista de trabajo en Apple Computer. En sus páginas, ella había esbozado, en rosa, una serie de íconos para representar los comandos que ejecutaría el software de Hertzfeld. Cada cuadrado representaba un pixel. Un dedo señalador significaba "Pegar". Un pincel simbolizaba "MacPaint". Scissors dijo "Cortar". Kare me contó sobre este momento de origen: "Tan pronto como comencé a trabajar, Andy Hertzfeld escribió un editor de iconos y editor de fuentes para poder diseñar imágenes y formas de letras usando Mac, no papel ", dijo. "Pero me encantaba la naturaleza de rompecabezas de trabajar en cuadrículas de iconos de dieciséis por treinta y treinta y dos por treinta y dos, y el matrimonio de la artesanía y la metáfora".

Susan Kare en su espacio de trabajo (circa 1980)

Lo que le faltaba a Kare en la experiencia informática lo compensó en el conocimiento visual. "Los gráficos de mapas de bits son como mosaicos y bordados y otras formas de arte pseudo-digitales, todas las cuales practiqué antes de ir a Apple", le dijo a un entrevistador en 2000. El ícono de comando sigue justo a la izquierda de la barra espaciadora, se basó en un letrero de camping sueco que significa "característica interesante", extraído de un libro de símbolos históricos. Kare miró al punto de cruz, a los mosaicos, a los signos de vagabundo en busca de inspiración cuando se quedó atascada. "Algunos iconos, como el papel, no son un problema; pero otros desafían lo visual, como 'Deshacer' ". En un momento dado, había un icono de una fotocopiadora para hacer una copia de un archivo, y los usuarios arrastraban y soltaban un archivo sobre él para copiarlo, pero fue difícil hacer una copiadora a esa escala. Kare también probó un gato en un espejo, para imitar. Ninguno hizo el corte. También diseñó varias de las fuentes originales de Mac, incluidas Ginebra, Chicago, y el Cairo con imágenes, utilizando solo una cuadrícula de nueve por siete.

"Es divertido leer que, antes de que existieran las redes sociales, innumerables personas pasaron horas con Microsoft Windows Solitaire usando las tarjetas que diseñé", dijo. En 2008, Kare creó "regalos" virtuales para Facebook que podía comprar y enviar a un amigo, con nuevas ofertas diarias, basadas en una cuadrícula de sesenta y cuatro por sesenta y cuatro píxeles. Los best-sellers jugaron para la multitud: corazones, pingüinos y besos, como una caja digital de chocolates. Una paleta de sesenta y cuatro píxeles parecería un gran paso adelante, pero Kare no cree que los detalles formen necesariamente mejores iconos. "Las imágenes simples pueden ser más inclusivas", dijo. Mire las señales de tráfico: "Hay una razón por la que las siluetas de los niños en el letrero de un cruce escolar no tienen loncheras de cuadros ni mochilas de superhéroes, aunque no es por limitaciones tecnológicas", dijo. "Esos serían detalles extraños".

El estilo personal de Kare es claramente sencillo. Ella estaba desconcertada el año pasado cuando su hijo y colegas en Pinterest le avisaron que un retrato suyo de 1984 hecho por Norman Seeff, tomado por Rolling Stone, había aparecido en Reddit en el subreddit de "old school cool". En la foto, Kare se reclina horizontalmente en su silla ergonómica, vestida con jeans y una sudadera gris, con un zapato New Balance gris y borgoño apoyado en su escritorio. "Sólo un atuendo de trabajo regular de 1984, nada especial, pero parece 'prenormcore' en retrospectiva", dijo. "Viví en New Balance y Reebok zapatos de entrenamiento hasta los tobillos. Los colegas me trajeron recuerdos de robots de juguete de viajes de trabajo a Japón, y veo postales de imágenes favoritas del Museo Metropolitano. "Los juguetes, el arte y las zapatillas personifican el rigor y el humor que Kare siempre ha aportado a la tarea de hacer íconos, que resuenan a través de las décadas.

En una entrevista del año 2000 con Alex Soojung-Kim Pang, ahora investigador del Instituto para el Futuro, Kare da un giro completo a la historia del diseño gráfico estadounidense. Fue ella quien trajo a la atención de Steve Jobs al legendario Paul Rand (ganador de la Medalla AIGA en 1966 y diseñador de I.B.M.) cuando este último fundó NeXT, en 1985, y necesitaba un logotipo tan emblemático como Apple. La solución de Rand, presentada en un folleto de cien páginas, por la que se le pagaban cien mil dólares, era una caja negra colocada en una esquina, que imitaba la apariencia distintiva y problemática de las computadoras mismas. Las letras son más fáciles de caber en un cubo perfecto que las placas base. "No te asustes, este no es el diseño", bromea Rand en un video de la presentación, sacando el libro. Kare se encuentra al lado de Rand con un suéter estrellado. "Steve y yo aprendimos mucho de él", dijo. "Fue muy inequívoco. Lo recuerdo casi golpeando la mesa, diciendo: "He estado haciendo esto durante cincuenta y cinco años, ¡y sé lo que debes hacer!" Debe ser genial tener tanta confianza en una ciencia tan inexacta ".

Kare y Rand

Al preguntarle a Kare si habían otros medallistas de AIGA, además de Rand, a quien veía como influencias, y ella enumera una serie de grandes pre-digitales cuyo trabajo es conocido por su gran atractivo, calidez contagiosa y una mano a veces caricaturesca: Charles y Ray Eames (1977), Milton Glaser (1972), y el dibujante y dibujante de New Yorker Saul Steinberg (1963). A través de su trabajo, y ahora el suyo, uno puede ver un legado de toque personal que esperamos continúe en nuestro futuro digital en un nivel más profundo que los lectores de huellas dactilares. Susan Kare, la diseñadora que le dio una sonrisa a la Mac.

Smiling Mac, Susan Kare

Steve Jobs, by Susan Kare

Ivan Chermayeff (1932-2017)

Los logotipos de Mobil, NBC, PBS, PanAm o Univisión, Xerox y National Geographic, entre muchos otros más, fueron diseñados por el grupo Chermayeff & Geismar & Haviv, fundado en 1957 por Tom Geismar e Ivan Chermayeff —a los que se uniría Sagi Haviv en el 2006. Chermayeff nació en Londres en 1932. Su padre, el conocido arquitecto Serge Chermayeff, nació en Rusia en 1900 en una familia judía que a los pocos años emigró a Inglaterra. Estudió dibujo y diseño interior en escuelas de Inglaterra, Alemania, Francia y Holanda. En 1933, Serge Chermayeff se asoció con Erich Mendelsohn, quien había nacido en 1887 en Alemanía y emigró a Inglaterra huyendo del régimen Nazi. En 1940, Serge Chermayerff se mudó con su familia a los Estados Unidos. Primero vivieron en California y luego en Nueva York y Chicago. Estuvo a cargo de los departamentos de Arquitectura en las universidades de Harvard y Yale, donde estudió diseño su hijo, Ivan, además de haber pasado por el Instituto de Diseño de Chicago, fundado por Moholy-Nagy y que también dirigió su padre. En una entrevista para Designboom, Chermayeff dijo que estudió diseño porque no quería estudiar arquitectura, por no seguir a su padre y a su hermano. “Los arquitectos trabajan en cosas que tardan mucho y muchas veces fallan por falta de fondos o cualquier otra razón. Con el diseño gráfico la ventaja es que el noventa por ciento de lo que hacemos se produce y avanzamos más rápido. Puede tener una vida más corta, pero es bastante y hay menos política involucrada que en la arquitectura”. En otra entrevista para la revista Metrópolis, Chermayeff respondía a la pregunta sobre la presión que tienen los jóvenes diseñadores de estar al día y ser arriesgados diciendo que “necesitan educares a sí mismos y formarse opiniones sobre lo que es el diseño y lo que puede lograr. No puedes ignorar las cosas que han sucedido antes de ti sólo para ser moderno y actual porque el diseño es un negocio de solucionar problemas. Está orientado a los problemas de otras personas y no a los tuyos. Pienso que los jóvenes diseñadores no dedican tiempo suficiente a su propia historia. No son buenos lectores, tampoco. El diseño está conectado con otros campos creativos y entre más entiendas mejor serás”. Para Ivan Chermayeff el diseño no era otra cosa que sentido común.

Chermayeff murió a los 85 años el 3 de diciembre del 2017.